Театр

Арт-постановка «Неизвестный Чехов» состоится 15 ноября в Российской государственной детской библиотеке и объединит сразу 4 юбилея: 165-летие Антона Чехова, 100-летие Майи Плисецкой, 45-летие премьеры балета «Чайка» и 40-летие премьеры балета «Дама с собачкой» в Большом театре. Впервые в рамках фестиваля «Балетные истории. Русская классика» в постановке примут участие артисты «Кремлевского балета»: прима-балерина Олеся Росланова и премьер, заслуженный артист РФ Даниил Росланов!

Лев Толстой называл Чехова «несравненным художником жизни» и «Пушкиным в прозе», уже при жизни Чехов был признан великим писателем, а его богатое литературное наследие и сегодня вдохновляет на новые творческие эксперименты. В чем секрет популярности чеховской прозы, и почему, несмотря на разницу культуры, языка, традиций, его читают и ставят на театральных сценах по всему миру? Ответ на этот вопрос предстоит найти артистам и зрителям арт-постановки, в которой литература, музыка и балет объединены «Кодом Чехова». Как отметил режиссер-постановщик фестиваля, экс-артист Большого театра России Егор Симачев, «работая над концепцией спектакля, мы нашли очень интересное решение, как представить детям чеховскую прозу через арт-квиз по мотивам трех произведений – «Чайка», «Дама с собачкой» и «Анна на шее». Зрители вместе с артистами собирают «ключи» от «Кода Чехова»: каждый ключ мы «открываем» через литературу, музыку, балет, факты из биографии, воспоминания. В совокупности эти ключи раскрывают «Код Чехова»: личность писателя, его творческие принципы, произведения, которые нашли воплощение в музыке и балете, и знакомят с нашим классическим наследием в целом».

Именно Майя Плисецкая воплотила чеховские образы в балетах Родиона Щедрина «Чайка» (1980 г.) и «Дама с собачкой» (1985 г.), которые стали подарками композитора на день рождения своей музе и супруге. Великая балерина не только исполнила главные партии в обеих постановках, но и выступила хореографом-постановщиком, воплотив в новаторской манере сложные переживания чеховских героев. Знаменитые артисты «Кремлевского балета» Олеся и Даниил Росланов исполнят партии из этих балетов.

Разгадать «Код Чехова» и раскрыть малоизвестные, но очень увлекательные страницы жизни и творчества Антона Павловича зрителям помогут юные артисты: балерины Мастерской балета Егора Симачева и хореографических классов при «Лабораториях Лавровских», а также музыканты – лауреаты фонда Оксаны Федоровой Андрей Гончаров, Петр Бердников и Федор Чиков.

В роли Чехова в постановке выступит режиссер и педагог Леонид Лавровский-Гарсиа, в роли Чайковского – артист Алексей Шеффер, в роли Папы – Егор Симачев, Дочки – Арина Колахметова. Постановку украсят выступления солиста оперной труппы Большого театра России Василия Соколова, солистки Камерной сцены имени Б.А. Покровского Большого театра Ирины Хрулевой, а также Студенческого хора Московского музыкально-педагогического колледжа (худрук и дирижер – Анастасия Зеленская). В финале постановки зрителей ждет познавательная викторина по тематике спектакля.

В рамках фестиваля «Балетные истории. Русская классика» для посетителей РГДБ подготовлена специальная программа:

• тематическая выставка ««Герои А. Чехова в произведениях С. Рахманинова и Р. Щедрина»», организованная нотно-музыкальным отделом РГДБ совместно с Научной музыкальной библиотекой имени С.И. Танеева Московской государственной консерватории имени П. И. Чайковского, где посетители увидят ноты, книги, эскизы костюмов, фотографии, и оцифрованные копии автографов Чехова и Щедрина.
• 14:15 – балетный мастер-класс в Большом выставочном зале, в рамках которого юные посетительницы смогут примерить балетные пачки и познакомиться с азами балета под руководством профессиональной балерины;
• 17:00 –
• лекция «Чехов и Чайковский. Юбиляры 2025 года» в Пушкинской комнате Российской государственной детской библиотеки (к. 311). Музыковед Гюльнара Масляева расскажет о знакомстве и дружбе двух русских гениев и проведет параллели в их творчестве. Музыканты-иллюстраторы – лауреат международных конкурсов, обладатель Бронзового и Серебряного Щелкунчиков, самый юный исполнитель Первого концерта Чайковского Андрей Гончаров (фортепиано), лауреаты международных конкурсов Верника Кравченко (сопрано) и Юлия Малевская (меццо-сопрано), концертмейстер Камерной сцены Большого театра России Анна Сальникова (фортепиано).

Прямая онлайн-трансляция всех постановок Фестиваля «Балетные истории. Русская классика» будет доступна в социальных сетях РГДБ, а также на федеральном портале культура.рф.

Фестиваль «Балетные истории. Русская классика» в 2025 году проводит НФ «Пушкинская библиотека» при поддержке Президентского фонда культурных инициатив, в сотрудничестве с Российской государственной детской библиотекой (РГДБ), благотворительным фондом Оксаны Федоровой и Мастерской балета Егора Симачева.

14 октября, в 20:00, на сцене Центра «На Страстном» пройдет эксклюзивный показ документального спектакля «Аркаим». Это первый показ спектакля в новом сезоне. Предпремьерный показ спектакля, созданного при поддержке социального проекта Деменция.net, прошел с аншлагом в РАМТ и получил огромный отклик у зрителей. В октябре у московского зрителя снова будет шанс увидеть постановку, принципиально с нового ракурса отражающую столь сложную и до сих пор зачастую запретную тему — деменцию.

Действие спектакля начинается в зале ожидания вокзала, где герои ждут поезда в мистический город Аркаим, предстающий в пьесе, как образ закрытого внутреннего мира человека в деменции.  Настоящее здесь переплетается с прошлым, а реальность уступает место воспоминаниям. Зрители становятся свидетелями трогательных историй, наполненных страхами, радостями и документальными деталями жизней героев.

В центре повествования — полковник танковых войск в отставке Константин (Константин Кожевников) и его внучка Дуся (Нелли Уварова). Константин живет в мире начинающейся деменции, где воедино смешались 1950-е с их танцами, 1970-е и настоящее. Его внучка Дуся, отказываясь принять страшный диагноз, пытается выстроить мир для двоих, в котором болезнь не будет иметь значения. Их история переплетается с историями других пожилых людей и их родных. Каждая из них — история любви, которая ищет новые формы существования и смыслы, в изменившихся и необратимых обстоятельствах.

«Мы верим во что угодно, кроме своих стариков», — звучит со сцены. Спектакль ломает стену молчания и стигмы вокруг деменции. Драматург Ксения Адамович написала пьесу на основе личного опыта. Восемь лет она помогала своему дедушке, а затем собрала десятки историй других семей. «Я хочу сказать зрителю: вы не одни, миллионы людей в мире проходят через то, с чем вы столкнулись. И всё, что мы в итоге можем для них сделать — любить их в любом их состоянии», — говорит Ксения.

Режиссер Руслан Маликов, известный своими работами в социальном театре, создает на сцене гипнотическую видеопроекцию: полупрозрачные экраны, на которые проецируются старые семейные фотографии и домашние видео, становятся порталами в прошлое. Актеры — Константин Кожевников, Нелли Уварова, Юлия Башорина и другие — существуют на грани этих миров, мгновенно перевоплощаясь из возраста в возраст, из роли в роль. Хореография Александры Рудик добавляет истории пластичности и метафоричности, а видео-арт Алексея Бычкова заставляет зрителей вспомнить альбомы своих бабушек и дедушек.

«Спектакль смотрится на одном дыхании, потому что он — про нас. Про то, какие воспоминания станут нашим убежищем в старости. Станут ли ими гигабайты фотографий в смартфоне? Кто останется на этих снимках? И как мы будем заботиться друг о друге? После показа зрители смогут забрать с собой конверт, который найдут на своем кресле, — еще одно маленькое послание, позволяющее продлить опыт сопереживания», — комментирует Наталья Русакова, операционный директор социального проекта Деменция.net.

Для создателей «Аркаима» это глубоко личная история, для организаторов проекта Деменция.net – способ поговорить о проблеме на другом языке, языке художественных образов, а для зрителей — возможность прикоснуться к всеобщему опыту любви, памяти и приятия. Станьте частью этого путешествия и поддержите тех, кто сейчас находится на этом сложном пути!

Показ пройдет на благотворительной основе: средства от продажи билетов пойдут на программы адресной и системной помощи подопечным социального проекта Деменция.net. Проект открывает центры профилактики и диагностики, создает сервисы поддержки для ухаживающих, оказывает медицинскую, психологическую и социальную помощь людям с деменцией и их семьям. Приобрести билеты можно тут: https://arkaim.dementcia.net/

Вокруг классической русской литературы давно сформировался стереотип этакого неспешного повествования, сосредоточенного больше на психологических проблемах героев, чем на живом действии. Мастерами этого жанра были Тургенев, Достоевский и Толстой, давший миру роман «Анна Каренина». Этим авторам было бы сложно представить, что их прозу можно передать без слов и такими визуальными средствами, что вначале она покажется триллером, а то и ужасами. И тем не менее это возможно — силами труппы спектакля «До поезда осталось», блестяще переосмыслившей изложение классики.

Современного зрителя непросто обмануть, а тем более удивить настолько, чтобы он забыл обо всем свете и зачарованно смотрел лишь на сцену. Вот и танц-драма (как определяют ее создатели) началась с затянутой рассадки зрителей перед глубокой затемненной сценой Электротеатра Станиславского с единственным персонажем-скульптором, безучастно работавшим за столом. Спустя некоторое время обычные грузчики доставили ему заказ — статую женщины, слишком похожую на живого человека. В тот момент, когда гипс внезапно пробуждается от оцепенения, и стартует основное действие.

На этом, пожалуй, достаточно сюжетных деталей, тем более что намного интереснее увидеть постановку своими глазами. Скажем лишь, что начало очень напоминает фильм ужасов: оживающая статуя, темнота, резкие всполохи света, странные звуки и нервные движения. В один из моментов автор этих строк ощутил себя зрителем первого сеанса братьев Люмьер: казалось, что грань между вымыслом и реальностью сейчас размоется и действие на сцене перетечет прямо в зал (благо он расположен вплотную к подмосткам). Кинематографическая составляющая сохранилась и позже: некоторые эпизоды как будто содержат аллюзии на такие ленты, как «Чужой» и «Бегущий по лезвию«. Совпадение это или нет, доподлинно неизвестно, но ощущение проникновения кино в ткань театра слишком сильно, чтобы оставить его без внимания.

Главный выразительный элемент спектакля — танец, опирающийся, в первую очередь, на балет. Это и неудивительно, ведь Анну Каренину исполняет прима-балерина Мариинского театра Дарья Павленко, а Вронского играет премьер Большого театра Владислав Лантратов. Их движения, богатые по спектру чувств и точные в их выражении, восхищают даже незнакомого с этим искусством зрителя, а в сочетании с музыкой и игрой светотени способны передать вехи сюжета без всяких слов.

Танц-драма «До поезда осталось», по замыслу режиссера Ирины Михеевой, передающая внутреннее состояние самой Карениной (впрочем, и Вронского тоже), длится недолго, около часа, так что внимание не успевает ослабнуть, а эмоции — притупиться. От начала и до конца поддерживается напряжение, которое разрешается лишь в последней сцене; спектакль то радует, то пугает, то печалит, но не желает оставлять равнодушным, и это его большое достоинство. И поскольку в анонсе он назван «экспериментальным», мы можем смело признать этот опыт успешным.

Текст: Алексей Федоренко

Фото: Екатерина Жарова

27 и 28 сентября 2025 года на сцене Электротеатра Станиславский пройдёт премьера экспериментальной танц-драмы «До поезда осталось». Спектакль погружает зрителя во внутренний мир Анны Карениной и исследует эмоциональное состояние раскола, который приводит героиню к трагическому финалу. В фокусе постановки три персонажа романа Льва Толстого: Анна, её сын Серёжа и Вронский. Главные роли исполняют экс-прима Мариинского театра Дарья Павленко и премьер Большого театра Владислав Лантратов.

«До поезда осталось» — независимый театральный проект, переосмысляющий историю Анны Карениной через призму современного танца, перформанса и визуального искусства. Спектакль проводит зрителя по главным переживаниям героини: от холодного брака с Карениным к живым, наполненным чувствами отношениям с Вронским и нарастающей тревоге из-за потери связи с сыном.

Ключевой элемент постановки — сценография, созданная по законам театра художника. Она передает психофизическое состояние героини через визуальные метафоры. Так, мир Карениной «при муже» режиссёр спектакля Ирина Михеева находит в белом фарфоре, которому предстоит разбиться. В противовес ему существует мир Вронского — гиперреалистичный, полный живых фактур, запахов, цветов.

Режиссёр Ирина Михеева: «В этой постановке нам важно было показать не просто историю Анны Карениной, а её внутренний разлом — этот мучительный путь “туда-сюда” между двумя мирами: трепетным и живым миром Вронского и скованным, “фарфоровым” миром, в котором остался Серёжа. Ни один из них не становится для неё домом, и именно в этом противоречии рождается её трагедия. Мы сознательно уходим от буквальности — вместо слов здесь тело, вместо декораций — метафоричные образы, чтобы зритель мог заново пережить знакомый сюжет, пропустив его через себя».

Пластическое решение спектакля создала хореограф Ольга Лабовкина, ставившая танцевальные спектакли на сценах Большого театра (компания Muzart), Новой Оперы (Балет Москва) и зарубежных площадках. Пластика каждый сцены передает уязвимое состояние Карениной через физический надлом, ограничение и неудобство. Хотя в постановке участвуют балетные артисты, в основе действия лежат импровизация и эмоциональные импульсы.

Хореограф Ольга Лабовкина: «Артисты балета привыкли, что хореограф придумывает движения на основе многолетней традиции и показывает им. В этой постановке мы искали танец совместно, задействуя воображение и прошлый опыт исполнителей. Отдельным вызовом для артистов стала работа с музыкальным материалом. В балетной традиции музыка является основой, доминантой, танец оформляет собой музыкальную структуру. Здесь же музыка и действие — это партнёрство, артисты иногда ведут музыку за собой, а не танцуют под нее».

«До поезда осталось» — дебютный проект компании 2sisters, созданной Ириной Михеевой.

Команда: режиссёр — Ирина Михеева (режиссерский факультет UAL Central и магистратуры LAMDA в Лондоне), хореограф — Ольга Лабовкина (победитель конкурса хореографов фестиваля CONTEXT. Diana Vishneva (2017), магистратура Академии Русского балета имени А. Я. Вагановой (2013), стажировка Zurich University of Arts), композитор — Илья Дягель, сценограф и художник по костюмам — Катя Эрдэни (факультет сценографии ГИТИСа,  Мастерская  Д.А. Крымова),  артисты — Дарья Павленко (лауреат премий Душа танца (2000) и Золотая маска (2001), заслуженная артистка России 2010, артистка Танцтеатра Пины Бауш), Владислав Лантратов (лауреат премии Золотая маска (2015, 2022), обладатель приза Международной ассоциации Benois de la Dance (2018), заслуженный артист России 2018, премьер Большого театр) и Михаил Шиманский, продюсер  — Анна Меркушина (продюсерский факультет Школы-студии МХАТ, мастерская А.М. Воробьева), художник по свету — Александр Краснодед, промо-продюсеры  — Анна Бабарскова и Дарья Галаванова.

Премьерные показы пройдут в Москве 27 и 28 сентября 2025 года на сцене «Электротеатра Станиславский». Билеты в продаже.

101-ый сезон открылся в театре Сатиры премьерой комедии А. Н. Островского «Доходное место». Почетную роль сыграть для первых зрителей взяла на себя труппа под руководством режиссера Антона Непомнящего и художественного руководителя театра Евгения Герасимова, принявшего в постановке самое деятельное участие.

«Доходное место» — одна из трех премьер, запланированных на осень этого года. Сюжет вращается вокруг молодого чиновника Василия Жадова, который свято убежден, что уж он-то знает, как правильно жить, а окружающие его люди, включая коллег и собственного дядю – сплошные взяточники и нечестивцы. По правде говоря, так оно и есть, однако, как наглядно демонстрирует спектакль, юный мечтатель – и сам плохой образец для подражания. Впрочем, не будет раскрывать все перипетии сюжета и предложим читателю самостоятельно посмотреть комедию.

«В 1964 году молодой режиссер Марк Захаров поставил свой первый спектакль в театре Сатиры – «Доходное место», – рассказал художественный руководитель Евгений Герасимов, незадолго до начала перевоплотившийся в образ Аристарха Вышневского. – Он успел выйти всего три раза, пока Министерство культуры не ужаснулось, увидев его, и не приказало убрать из программы. Все записи стерли, декорации и костюмы уничтожили – чтобы никто не узнал об этом спектакле. Но мы-то помним, и сегодня Островский, конечно, будет звучать по-другому, но всегда очень современно».

Действительно, среди соблазнов современных жанров и трактовок театр Сатиры выбрал приверженность классике. Минимальная дань моде выражается в сломе «четвертой стены» – обращении персонажей напрямую к зрителю (хотя ответ здесь не предполагается) и примечательной смене декораций прямо по ходу действия. Локации, в которых играется комедия, меняются плавным вращением по большому кругу, что напоминает нам о размеренном движении небесной сферы и звезд. Думается, это и есть характерная черта классической, неторопливой, постановки, где зрителю дается время и на осмысление, и на наслаждение.

Актриса Янина Студилина, сыгравшая молодую жену Вышневского, подчеркнула, что традиционный театр вовсе не устарел и может выгодно смотреться на фоне новейших во всех смыслах постановок: «Сейчас такое разнообразие во всем, что, приходя в театр, лично мне, например, хочется увидеть именно Театр: красивые костюмы, декорации, эстетику. Это и важные истины, которые доносятся до зрителя. Когда мы меняем классику, не всегда остается смысл, заложенный автором. Мы делаем классического Островского, и мне очень приятно пригласить знакомых кинорежиссеров, потому что для них – это путь к истокам».

Все же пьеса 19-го века слегка осовременена некоторыми вольностями, допущенными в сценарии. Изредка заметно карикатурное, но переигрывание, которое в затянутых монологах и диалогах героев может вызвать легкий диссонанс (как, например, в споре Жадова с женой). Однако эти шероховатости легко сглаживаются в общей зажигательной атмосфере премьеры, и «Доходное место» срывает заслуженные долгие аплодисменты, которыми вознаграждаются усилия сценической труппы.

Отдельно необходимо отметить комедийную направленность постановки. Следуя духу театра, закрепленному в его лаконичном названии, режиссер выводит сатирических, даже гротескных персонажей, чьи голоса, манеры, походка и сама внешность угловаты и намеренно преувеличены. Громкие восклицания притворной радости, старческое брюзжание, нелепое угождение и прожженный цинизм узнаваемы и определяемы с первых же секунд. Выделить хочется костюмеров и художников, подобравших приятные для восприятия платья и сюртуки и воссоздавших изысканные декорации оригинальной постановки Захарова.

Премьера в театре Сатиры удалась на славу, и если верить крылатому выражению «Как корабль назовешь, так он и поплывет», то открывшийся вчера сезон предстоит ярким, проникновенным и таким же запоминающимся, как «Доходное место».

Текст: Алексей Федоренко

Фото: Екатерина Жарова

Театр кукол Образцова приглашает на гротескный спектакль для взрослого зрителя «Чайка по имени…».

Режиссёр Борис Константинов, известный своим подходом к переизобретению художественного языка для театра кукол, вступает в диалог с программным манифестом ушедших семидесятых годов и рассуждает о природе одиночества, стремлений и полётов. Потому что полет — это то, что заложено в каждом из нас.

«Чайка по имени…» — это спектакль о человеке, который воплотил мечту, казавшуюся всем чистым безумием. Бывший летчик-испытатель называет себя Чайкой, для него полет и скорость стали смыслом жизни, а невозможность покорить новую высоту – причиной болезни, которая привела его в клинику «Дальние скалы», где последний день станет решающим для всех участников
действия.

«Как провести реабилитацию души и тела? Как взлететь? Что я могу, что мне позволено, а что нет? Отвечая на эти вопросы, я понял, что не надо останавливаться — нужно мечтать, ставить себе невозможные задачи, и только тогда жизнь приобретает интерес. Надо дать человеку возможность быть тем, кем он хочет быть. Чтобы ему не мешали в этом — тогда он счастлив», – рассуждает режиссёр Борис Константинов.

Гротеск, клоунада и трагифарс. Зритель окажется вне времени и географии. В центре истории – немолодой герой, который до самого конца стремится достичь в жизни небывалых высот и заставить поверить, что полет не просто возможен, но необходим. В чем причина его неудач и падений? На каком этапе в расчётах была допущена ошибка? Можно ли её преодолеть?

Место действия – клиника «Дальние скалы». В ней, как на окраине сознания больного пациента, нет границ, нет пределов возможного. Доктора и посетители препарируют историю пациента, называющего себя Сыном Большой Чайки.

«Декорации рождались из идеи создать ощущение полноты картины, иллюзии присутствия. Свет — важное выразительное средство. Мне хотелось создать практически материализованный свет, рождающий чувство движения воздуха, плеска воды. Поэтому потолок, та часть, что над зрителем — это небо… Зритель может дотянуться до него рукой. Ведь история посвящается чайке, которая есть в каждом из нас», — рассказывает художник спектакля Александра Громова.

Успешный проект продюсерского центра «Гранд» покорил Россию и теперь нацелен на европейские площадки. Чем запоминается «История в отеле», рассказываем в обзоре.

Могут ли движения тела выражать мысли, чувства и эмоции и тем самым заменять слова? На первый взгляд, это непросто, и зрителям, незнакомым с жанром танцевального шоу, где со сцены не произносится ни единой реплики, будет сложно воспринимать происходящее. Забегая вперед, скажем, что некоторые эпизоды без описания в программке понять, и правда, нельзя, однако все же язык танца способен поистине на многое, и коллектив шоу, в который входят полтора десятка чемпионов России и мира, это доказывает!

«История в отеле» — уникальная постановка, которая смело экспериментирует с форматами. Бальные танцы сменяются танго, который, в свою очередь, уступает место групповым номерам и даже своеобразному «баттлу» — сражению между артистами в искусстве хореографии; все это каким-то образом умещается в локацию отеля и старается вписаться в канву сюжета, где две героини находят свою любовь под крышей гостиницы.

Денис Тагинцев, продюсер, создатель шоу: «Такого проекта, где на сцену выходили бы 16 чемпионов мира одновременно (всего в нашей команде их более 25), не было никогда в нашей стране. Рассказать историю в нашем жанре – мы используем бальные и парные танцы – такого тоже еще никто не осмеливался делать».

Авторы шоу, впрочем, не ограничились словами: они – действующие члены труппы, профессиональные танцоры, которые непосредственно участвуют в шоу. Вот и Денис Тагинцев исполнил несколько номеров, продемонстрировав на деле, как он понимает собственную задумку. Вместе с ним артисты проделывали головокружительные трюки, спускались в зрительный зал и даже приглашали на танец дам – мартовский показ был посвящен многодетным матерям Москвы и Подмосковья, которые присутствовали на шоу вместе с семьями.

К выразительности танцев следует добавить вокальные номера и мастерскую игру цветов, благодаря чему шоу синтезирует различные способы восприятия, не используя по сути только обычное слово. В целом, такой опыт можно считать успешным, хотя чрезмерная громкость музыки оставляет след в виде головной боли и временного снижения слуха. Впрочем, неумеренность такого рода характерна для большинства постановок жанра. Отметим также некоторую шаблонность в выборе композиций: уж слишком очевидно использование испанских песен в номерах о страстной любви (или соперничестве) и тяжелых басов при появлении «брутальных» мужчин.

Шоу «История в отеле» сопутствует успех, который в скором времени может перейти и на другие страны. Так, среди зрителей одного из сеансов уже были замечены послы иностранных держав; ведутся переговоры с итальянскими антрепренерами, так что вполне возможно, уже к концу года спектакль отправится в гастроли в Европу. Кроме того, продюсерский центр «Гранд» уже готовит продолжение истории, которую можно смотреть независимо от первой части. Более романтичное и приглушенное, оно будет иметь другую тональность, о чем рассказала художник по костюмам и одновременно исполнительница одной из ролей Анна Мельникова: «“История в отеле” – это нечто фееричное и яркое, что сразу бросается в глаза. Следующая история будет отличаться: там будет больше черно-белого, поэтому она будет более глубокая и романтичная, но в то же время будет развиваться в яркие тона ближе к концу».

Автор: Алексей Федоренко

Фото: Екатерина Жарова

Печальный и легкомысленный, фатальный и жизнеутверждающий – все это можно сказать о мюзикле «Дороги, которые нас выбирают» — постановке Театра сатиры.

Выбирает ли свою судьбу человек или она неумолимо ведет нас по перипетиям жизни? Вероятно, это такой же вечный вопрос, как первичность бытия или сознания, природа души и другие философские загадки, сопровождающие человечество на протяжении всей истории. Подобно «Облачному атласу», они возникают вновь и вновь перед каждым поколением, и следующая эпоха обязательно решит их по-своему. «Дороги, которые нас выбирают» — это переплетение трех сюжетов, которые, напротив, происходят в одно время, но затрагивают очень разных людей в неодинаковых положениях. Лишь одно обстоятельство у них общее: всем предстоит сделать выбор (или же все предопределено фатумом?).

Множественность линий развития делает постановку универсальной. Любовная история бывшего бандита Малыша отлично подойдет для романтического свидания; веселые приключения бродяги рассмешат после рабочего дня; а меланхолический настрой художников наведет на философские размышления о вечном. Иными словами, какими бы ни были ожидания публики, она обязательно найдет в мюзикле то, что ей понравится.

Особенно нужно выделить исполнителя по сути главной роли – Олега Кассина, чей бездомный Сопи забирает на себя внимание зрителя и проводит на сцене больше всего времени. Его наивные, если не сказать глупые, мечтания и неуклюжие попытки их воплотить составляют главный двигатель действия, которое к экватору постановки заставляет разражаться смехом всякий раз, когда бедняга терпит неудачу. Столь уморительный персонаж становится любимцем аудитории, и его появление ожидается с нетерпением, которое всегда вознаграждается новыми абсурдными ситуациями.

Связующим же звеном всех трех историй оказывается полусумасшедший художник Берман, чье назначение непонятно вплоть до самого финала. Тем или иным образом он вмешивается во все сюжетные линии, беря на себя роль судьбы или как минимум доброго советчика, но по-настоящему раскрывается в драматической ветке, когда создает свой шедевр. Можно сказать, что эта его работа и символизирует мысль всего произведения с многозначительным названием. Судьба, несомненно, существует и нередко подсказывает нам в тех случаях, когда сами мы затрудняемся, однако помимо нее не менее важен человек. Его свободная и добрая воля – вот тот элемент, без которого невозможно творение мира; лишь его творческая энергия, сострадание и неугасаемый оптимизм материализуют то, что предначертано свыше. Сам Берман выражает эту мысль в максиме: «Главное – прожить жизнь честно». И в этой честности, не только по отношению к окружающим, но и к себе и миру, выражается глубокая философия прекрасного мюзикла «Дороги, которые нас выбирают».

Автор: Алексей Федоренко

Спектакль «№ 13D» наглядно доказывает, что театр и кинематограф имеют много общего. Увы, не с признанной классикой, а низкопробными российскими комедиями.

Новый Год – это праздник радости и веселья. К концу рабочего года, когда отчеты сыплются на голову чаще, чем снег в Москве, желанием большинства людей является долгожданный отдых в атмосфере всеобщей беззаботности и легкости. Именно поэтому в канун 31 декабря кино и театры разрываются от комедий, которые спешат расслабить зрителя и настроить его на праздничный лад. Этой цели по-своему служит и спектакль «№ 13D» в МХТ им. Чехова.

Вообще комедии бывают разные. Древние греки, например, определяли этот жанр как сюжет, который начинается с печальных событий, а заканчивается на позитивной ноте (трагедия формулировалась с точностью наоборот). Классический театр Нового времени подарил нам другое понимание, когда все происходящее на сцене подавалось в юмористическом ключе. Этот взгляд перекочевал и в кино, в недрах которого родились фильмы Чарли Чаплина, эксцентричные и молодежные комедии, «Бриллиантовая рука» и «Операция “Ы”», а также современные российские ленты, которые, к великому сожалению, продолжают множиться на наших глазах. Юмором в них является лишь то, что эти художества выпускают в прокат и именуют кинематографом, хотя на самом деле это скорее грустно.

Тем удивительнее, когда незамысловатые и откровенно пошлые сюжеты сходят с экранов и попадают на сцену. Казалось бы, МХТ имени Чехова – один из старейших и самых уважаемых московских театров – не имеет с ними ничего общего, но это не так. Постановка «№ 13D» является наиболее убедительным доказательством, что любое учреждение культуры может оступиться, сознательно или нет. Перед нами комедия положений – замечательный своей абсурдностью и парадоксальностью жанр, внутри которого, как справедливо замечает афиша, таятся небывалые возможности для режиссерского эксперимента и актерской импровизации. Так для чего же тогда тащить на сцену цирковую клоунаду и шутки ниже пояса? Неужели сама по себе ситуация предоставляла так мало поводов для смеха, что пришлось прибегать к приемам других видов искусства, причем не самым удачным?

Аналогия напрашивается сама собой: недавно в «Образе жизни» вышел обзор, посвященный премьере фильма «Папу маме заверни» — семейной новогодней комедии, которая отличалась вторичностью, взрослыми шутками и неразберихой в сценарии. Спектакль успешно решил эти проблемы, поскольку никогда не был рассчитан на детей и соблюдал целостность в построении, но не сумел пойти дальше, скатившись в кривляния и все тот же юмор 18+. Главным их амбассадором – и в этом случае пальма первенства чрезвычайно легко нашла своего обладателя – стал Игорь Верник, который сумел вызвать неприязнь к своей игре за считанные минуты после первого появления. Особенно выделяются нечленораздельные звуки, которые артист издавал на протяжении почти всей постановки. Что бы они ни означали, больше всего это напоминало звуки животного мира, а не человеческую речь. Добавив сюда шепот и совсем уж искажающие голос интонации, становится ясно, почему порой было сложно уловить смысл сказанного главным героем.

В целом, нужно признать, что актеры выкладывались в рамках заданных образов. Они и пели, и танцевали, и садились на шпагат, но на фоне слабого действия это впечатляло в меньшей степени. На этом фоне можно повторить избитую фразу о том, что лучше всех сыграл труп, но, дабы не заострять на ней внимание, скажем лишь, что пластика хореографа, исполнявшего эту роль, действительно удивляла.

Самым же смешным моментом спектакля стал рингтон одного из зрителей, который сработал сразу же после просьбы отключить звук на телефонах. Звонок (или будильник) совпал с выходом на сцену Верника и играл достаточно долго, чтобы заполучить внимание всего зала и актера. К слову, во втором акте ситуация повторилась, но эта история уже не имеет прямого отношения к качеству постановки.

Квинтэссенцией абсурдности происходящего – и в этом можно наконец усмотреть заслугу комедии положений – стал видеоролик с чайкой, который начался столь внезапно и имел такой бессмысленный с виду сюжет, что действительно пробирал на смех, если не сказать истерику. Кумулятивный эффект недоумения, фарса и смешных точек, которые все же были во второй половине пьесы, вылился в неконтролируемую защитную реакцию, которой и является приступ хохота. Сдержать его не так-то просто.

Конечно, от Художественного театра имени Чехова ждешь чего-то большего, чем комедию уровня «Папу маме заверни». Есть ресурсы, есть актеры и режиссеры – почему же на выходе мы смотрим не слишком вразумительное действие, которое переносит акцент с алогичности ситуации на гримасы, судороги и намеки на интимную жизнь героев? Имеют ли вообще эти элементы место быть в театре? Скорее всего да, но в дозированном количестве и исключительно в качестве дополнения, может быть, пикантной нотки, но не основы всего. Разумеется, понятно, почему именно «№ 13D» показывают перед Новым Годом: эта постановка легкая и предполагает очищение ума посредством смеха. Все же средства, которыми достигается это состояние, были выбраны неудачно и, перефразируя известный афоризм, не оправдывают цель.

Автор: Алексей Федоренко

«Любовь. Блок» — это мрачная и немного сюрреалистичная постановка, рассказывающая об отношениях в семье Александра Блока. В основе сюжета – классический любовный «треугольник»: сам Блок, его жена и поэт Андрей Белый.

Спектакль Аллы Дамскер мало чем напоминает обычный театр: отсутствует сцена как таковая, зрители и актеры вместе погружены в темноту, а все действие происходит через письма, дневники и другие документы, обработанные автором в процессе создания принципиально новой подачи известной драмы в семье Блоков.

Вкратце напомним читателям суть этой истории. Религиозно-философские взгляды Блока, считавшего свою жену Любовь Менделееву Прекрасной Дамой и поклонявшегося ей, не нашли должного отклика в душе женщины, которая ушла от него к поэту Андрею Белому. Позже она вернулась, но вместе с Блоком подвергалась преследованию со стороны отвергнутого любовника. В конце концов, конфликт разрешился относительно благополучно, хотя, надо полагать, его участники и не обрели окончательного счастья.

Постановка «Любовь. Блок» берется исследовать любовные перипетии между тремя безусловно чувственными и страстными натурами, на беду узнавшими друг друга. Оказавшиеся на одном уровне со зрителями, актеры воспроизводят ключевые вехи драмы посредством прочитывания переписки и других записей, оставленных ее действующими лицами. Взаимодействуют они и с аудиторией, максимально приближенной к сцене. Откуда-то сверху им аккомпанирует музыка: по просьбе самих персонажей оркестр исполняет проигрыши.

Стоит отметить актерскую игру. Немногочисленная труппа из трех человек (больше было бы странно для такой камерной, интимной, истории) удерживает внимание небольшого зала от начала до конца, используя скромный по количеству реквизит так, что это производит сильное впечатление. Яркий пример – метания Андрея Белого, олицетворяющие смятение в его душе; невозможно оторвать взгляд, пока продолжается этот сквозящий отчаянием монолог.

Спектакль особенно понравится поклонникам современного театра, отрицающего и переосмысливающего привычные каноны, однако будет, несомненно, интересен и более консервативной публике, которая увидит знакомую историю о любви под необычным углом.

Алла Дамскер, режиссер:

«Я думаю, что тема любви, возможности и попытки ее достижения будет актуальна всегда, и надеюсь, что она будет интересна столько, сколько будут волновать людей эти вопросы».

Авторы: Екатерина Жарова и Алексей Федоренко

Фото: Екатерина Жарова